https://hdl.handle.net/11000/39885 2026-06-03T09:34:48Z https://hdl.handle.net/11000/39949 Título : Voces en los márgenes: Una reflexión sobre la crisis de los refugiados y el refugio forzado Autor : Lozano Jiménez, José Luis Resumen : El presente ensayo visual analiza la crisis migratoria global, enfocándose en la situación de los refugiados en Europa, quienes, según la Convención de Ginebra, huyen de su país por temor a persecución. Sin embargo, los sistemas de asilo actuales son ineficaces y las promesas internacionales se incumplen. El proyecto “Voces en los márgenes” nace como respuesta crítica a esta terrible realidad, cuestionando el concepto de refugio y proponiendo un cambio de perspectiva hacia los refugiados, viéndolos como sujetos activos con derechos. La obra central Gold Tent critica la situación de los campamentos de refugiados, lugares donde los migrantes viven en condiciones precarias y de espera indefinida. El presente ensayo también destaca la tragedia de las muertes en las fronteras, concretamente en el Mediterráneo, donde miles de refugiados pierden la vida al intentar llegar a Europa. A través del uso de las mantas térmicas de rescate con los nombres de las víctimas, la obra busca recordar a los muertos y denunciar la deshumanización en las políticas migratorias. “Voces en los márgenes” es un llamamiento a la acción para que gobiernos e instituciones internacionales asuman su responsabilidad y construyan un futuro más justo, sin fronteras excluyentes; This visual essay analyzes the global migration crisis, focusing on the situation of refugees in Europe, who, according to the Geneva Convention, flee their countries due to fear of persecution. However, current asylum systems are ineffective, and international promises are not being fulfilled. The project “Voices in the margins” emerges as a critical response to this harsh reality, questioning the concept of refuge and proposing a shift in perspective towards refugees, seeing them as active subjects with rights. The central piece, Gold Tent, critiques the situation of refugee camps, places where migrants live in precarious conditions and indefinite waiting. This essay also highlights the tragedy of deaths at the borders, specifically in the Mediterranean, where thousands of refugees lose their lives while trying to reach Europe. Through the use of rescue thermal blankets with the names of the victims, the work seeks to honor the dead and denounce the dehumanization in migration policies. “Voices in the margins” is a call to action for governments and international institutions to take responsibility and build a more just future, free of exclusionary borders 2026-05-26T07:51:03Z https://hdl.handle.net/11000/39948 Título : CIGaRhReRaS. Memoria matérica y poética de las trabajadoras de la fábrica de tabacos de Alicante Autor : Esplá Oliver, Emma Resumen : Este artículo presenta una investigación artística que da lugar a la instalación multimedia CIGaRhReRaS, centrada en la memoria de las mujeres trabajadoras de la antigua Fábrica de Tabacos de Alicante. Partiendo de una hipótesis poética que articula materia, lenguaje y experiencia, se desarrollan siete piezas inspiradas en elementos de la tabla periódica, la poesía de María Cegarra y materiales vinculados al trabajo fabril. La metodología intermedia combina la exploración documental en archivos históricos, la escucha activa de testimonios orales y la experimentación plástica y tecnológica. Esta aproximación permite construir un dispositivo artístico interactivo que convoca a la participación del público en la activación de memorias corporales y territoriales. El proyecto se inscribe en un paradigma feminista que busca recuperar memorias invisibilizadas y fomentar la construcción colectiva del conocimiento. Finalmente, se reflexiona sobre los nuevos interrogantes que esta práctica artística plantea, especialmente en relación con las interrelaciones entre cuerpo, trabajo, lenguaje y territorio.; This article presents an artistic research project that resulted in the multimedia installation CIGaRhReRaS, focused on the memory of the women workers of the former Tobacco Factory of Alicante. Starting from a poetic hypothesis that articulates matter, language, and experience, seven pieces inspired by elements from the periodic table, the poetry of María Cegarra, and materials related to industrial labor were developed. The intermedia methodology combines documentary exploration in historical archives, active listening to oral testimonies, and plastic and technological experimentation. This approach enables the construction of an interactive artistic device that invites public participation in the activation of bodily and territorial memories. The project is situated within a feminist paradigm aimed at recovering silenced memories and fostering the collective construction of knowledge. Finally, it reflects on the new questions raised by this artistic practice, especially regarding the interrelations between body, labor, language, and territory. 2026-05-26T07:45:37Z https://hdl.handle.net/11000/39943 Título : La eternidad es reversible Autor : Martínez Patón, Belén Resumen : Partiendo de la contraposición que existe entre los espacios naturales frente a los espacios construidos, la transformación y mutación del espacio natural y del mundo rural, así como la aniquilación progresiva de los bordes que separan arquitectura y urbanismo de enclaves naturales, se propone un trabajo basado en el contraste natural-artificial. Esta dualidad se aborda a través de los conceptos “construir para destruir” y “los procesos invisibles de transformación, sustitución y destrucción”. Para ello, se propone una instalación artística en la que una estructura adaptable al espacio en la que se sitúa y que se compone de perfiles metálicos propios del mundo de la construcción —puntales, andamios, largueros, etc.— y bastidores de diferentes dimensiones intervenidos en su cara interna, articularán el espacio y contendrá las piezas pictóricas, escultóricas y multimedia. Estas piezas configuran y modulan la estructura. De esta forma se crea una instalación a modo de estudio que trata lo antimonumental y el proceso invisible de la construcción de nuestros restos distópicos, profundizando en la relación entre ruina y arquitectura, así como en las capas, estratos y componentes que constituyen la ruina-presente-futuro. Para ello se trabaja de una forma experimental y desde múltiples disciplinas con las texturas, superficies y propiedades de la piedra, que simboliza el territorio natural y ocupado, y de materiales de carácter constructivo: hierro, cemento, hormigón, escayola, escombro, ladrillo... propios de la arquitectura moderna, generando una narrativa a través del contraste, la transformación y la amalgama de elementos; Starting from the contrast between natural and built spaces, the transformation and mutation of natural and rural spaces, as well as the progressive annihilation of the borders that separate architecture and urbanism from natural enclaves, a work based on the natural-artificial contrast is proposed. This duality is approached through the concepts of ‘building to destroy’ and ‘the invisible processes of transformation, substitution and destruction’. To this end, an artistic installation is proposed in which a structure adaptable to the space in which it is placed and made up of metal profiles typical of the world of construction —props, scaffolding, beams, etc.—, and frames of different dimensions intervened on the inside, will articulate the space and contain the pictorial, sculptural and multimedia pieces. These pieces configure and modulate the structure. In this way an installation is created as a study that deals with the antimonumental and the invisible process of the construction of our dystopian remains, delving into the relationship between ruin and architecture and the layers, strata and components that constitute the ruin-present-future. To this end, we work experimentally and from multiple disciplines with the textures, surfaces and properties of stone, which symbolises the natural and occupied territory, and of materials of a constructive nature: iron, cement, concrete, plaster, rubble, brick... typical of modern architecture, generating a narrative through contrast, transformation and the amalgamation of elements 2026-05-25T12:04:55Z https://hdl.handle.net/11000/39942 Título : Todos somos líquenes. Nuevas prácticas artísticas para un mundo multiespecies Autor : Carbó del Moral, Nacho Resumen : Avanzando ya en este siglo XXI, resulta cada vez más difícil negar la evidencia de que vivimos en un planeta herido. La capacidad del arte para generar preguntas, para cuestionarnos quiénes somos y en consecuencia cómo nos relacionamos con nuestro entorno, jugará un papel determinante en un futuro no muy lejano. Desde este punto de partida, podríamos hablar de dos aspectos clave que pueden servirnos de inestimable ayuda en este nuevo y fascinante viaje: por un lado, dedicarles una atención especial a los procesos de generación de la forma en la naturaleza y por otro, la adopción y la investigación de nuevas materialidades. La escultura contemporánea puede, y debe, nutrirse de esta nueva materialidad. Una materialidad que es materia y concepto al mismo tiempo. Así, atento a este contexto, mi obra artística surge de una extrañeza activa frente a un mundo cuya complejidad es inabarcable pero no por ello menos estimulante y seductora y desde la convicción de que las coordenadas en las que nos hemos movido en tantos campos nos han llevado a un camino de no retorno. Se trata de un trabajo que, apuesta decididamente por el acercamiento a esos procesos biológicos y simbióticos, a estas nuevas materialidades (bio-celulosa bacteriana, algas, biopolímeros de almidón, colofonia, micelio…) y a geometrías compuestas por múltiples superposiciones, discontinuidades y pliegues. Son obras que surgen de una mirada atenta a un mundo que nos deja más dudas que certezas, donde el tiempo y la materia son partes inseparables de la generación de la forma; As we move into the 21st century, it is increasingly difficult to deny the evidence that we live on a wounded planet. Art’s ability to generate questions, to question who we are and, consequently, how we relate to our environment, will play a decisive role in the not-too-distant future. From this starting point, we could discuss two key aspects that can be invaluable aids to this new and fascinating journey: on the one hand, paying special attention to the processes of form generation in nature, and on the other, the adoption and investigation of new materialities. Contemporary sculpture can, and should, draw on this new materiality. A materiality that is both matter and concept. Thus, mindful of this context, my artistic work emerges from an active strangeness in the face of a world whose complexity is immeasurable but no less stimulating and seductive, and from the conviction that the coordinates within which we have moved in so many fields have led us to a path of no return. This work firmly focuses on exploring these biological and symbiotic processes, these new materials (bacterial bio cellulose, algae, starch biopolymers, rosin, mycelium, etc.), and geometries composed of multiple superpositions, discontinuities, and folds. These works emerge from a close look at a world that leaves us with more questions than answers, where time and matter are inseparable parts of the generation of form. 2026-05-25T11:55:44Z https://hdl.handle.net/11000/39941 Título : Entre el ser y el hacer Autor : Pereira, Pamen Resumen : Entre el ser y el hacer es una reflexión sobre el origen y el quehacer de la expresión artística. Considerando el arte como forma de conocimiento para el artista, la expresión artística es el diálogo con la materia, con el espíritu, con la emoción, con la ciencia y con el humanismo, y lo más importante, junto con la interacción, es el compartir. Para la creación se ponen en sincronía cerebro, corazón y cuerpo, y ante cualquier nueva experiencia hay que escuchar y desarrollar la atención. ¡Cuántas neuronas se ponen en movimiento por todos los circuitos posibles ante la experiencia creativa, la experiencia artística y la experiencia estética! Además, en la creación, en la contemplación, en la experiencia estética, y en las experiencias meditativas, el corazón y el cerebro entran en comunicación en la medida justa. Eso nos permite percibir más allá de nosotros mismos, no tan condicionados por nuestra percepción del yo. Si pudiéramos sentir que todo y todos formamos parte de algo tan grande y complejo, abriríamos muchas barreras a nuestra capacidad de interpretar el mundo y sería más fácil establecer las relaciones entre las cosas. Ese vínculo indisoluble entre lo efímero y lo eterno, entre lo sólido y lo ligero, lo pesado y lo ingrávido, dan vueltas constantemente en mi quehacer. A través de la alquimia entre el pensamiento y los materiales que logran esa vinculación, podemos reflexionar sobre cuál es la capacidad y el papel del arte en la visión e interpretación del mundo.; Between Being and Doing is a reflection on the origin and purpose of artistic expression. Considering art as a form of knowledge for the artist, artistic expression is a dialogue with matter, with the spirit, with emotion, with science, and with humanism, and most importantly, along with interaction, it is sharing. In creation, the brain, heart, and body are synchronized, and in the face of any new experience, we must listen and develop attention. How many neurons are set in motion through all possible circuits in the face of creative, artistic, and aesthetic experiences! In creation, in contemplation, in aesthetic experiences, and in meditative experiences, the heart and brain communicate in just the right amount. This allows us to perceive beyond ourselves, less conditioned by our perception of the self. If we could sense that everything and everyone are part of something so vast and complex, we would open many barriers to our ability to interpret the world, and it would be easier to establish relationships between things. This indissoluble connection between the ephemeral and the eternal, between the solid and the light, the heavy and the weightless, constantly revolves around my work. Through the alchemy of thought and the materials that achieve this connection, we can reflect on the capacity and role of art in our vision and interpretation of the world. 2026-05-25T11:54:24Z https://hdl.handle.net/11000/39925 Título : (Essere) fiume. Reflejar el paisaje, activar la memoria topográfica. Autor : Tejero Pérez, Gonzalo José Resumen : (Essere) fiume es una pieza artística llevada a cabo y expuesta en el marco de la Exposición Internacional Ecos y Resonancias de la Tierra, ubicada en el Centro Carmen Jiménez de La Zubia, Granada, España, como parte del I Festival de Arte y Naturaleza FANZ, celebrado a lo largo del mes de febrero de 2025. A través de la exploración de la confluencia entre la profunda interpretación de la mímesis griega que Giusseppe Penone propone en su serie Essere fiume (1947-1981), en la que el arte se convierte en un espejo de los ciclos de transformación de la naturaleza y el artista en quien los produce, la pieza que se presenta deriva del ideario del escultor italiano y se basa en la inmaterialidad del reflejo para no solo reconstruir sino también activar la memoria topográfica del paisaje. Así, evoca elementos perdidos o transformados con el paso del tiempo y subrayando, de este modo, que el entorno en el que sucede el arte no se trata de un escenario pasivo, sino de un elemento, un protagonista activo que registra, conserva y (re)construye su propia narrativa.; (Essere) fiume is an artistic piece created and exhibited as part of the International Exhibition Ecos y Resonancias de la Tierra, located at the Carmen Jiménez Center in La Zubia, Granada, Spain, as part of the 1st FANZ Art and Nature Festival, held throughout the month of February 2025. Through the exploration of the confluence between the profound interpretation of Greek mimesis proposed by Giusseppe Penone in his series Essere fiume (1947-1981), in which art becomes a mirror of the cycles of transformation of nature and the artist who produces them, the piece presented derives from the Italian sculptor’s ideology and is based on the immateriality of reflection to not only reconstruct but also activate the topographical memory of the landscape. Thus, it evokes elements lost or transformed over time, thereby emphasizing that the environment in which art occurs is not a passive setting, but rather an element, an active protagonist that records, preserves, and (re)constructs its own narrative 2026-05-14T06:02:21Z https://hdl.handle.net/11000/39924 Título : Dibujo, escultura, paisaje. Artilugios y mecanismos para construir “catedrales” y crear “monstruos” Autor : Lekerikabeaskoa-Gaztañaga, Amaia; Vivas-Ziarrusta, Isusko Resumen : El ensayo visual expone aportaciones seleccionadas, pertenecientes a dos series de material gráfico y escultórico. La reflexión textual corresponde a un punto de partida o acicate para la creación artístico-plástica mostrada por medio de reproducciones fotográficas. Se trata de poner en valor la materialidad de las piezas (esculturas) y dibujos cuyo objetivo es una indagación previa para la escultura, con la finalidad de presentar sendos conjuntos surgidos en momentos temporalmente correlativos, pero a veces superpuestos. La serie: “Ciudad-planta/Planta-(de)-ciudad; catedrales y monstruos”, seguida de la serie: “Sin título (artilugios-mecanismos)”, muestran una formalización plástica diferenciada. Las interferencias del plano material con el espacio y el tiempo constituyen disrupciones y rupturas que entrelazan el hacer material con la idea paisajística y su transformación gradual, plasmada significativamente en edificios y elementos singulares de la ciudad, capturados e intervenidos a modo de imagen, trayendo a colación en el acontecer de artilugios-mecanismo ruinosos en cementerios fabriles-arquitectónicos. De ahí a la materialización gráfico-escultórica tercia el apoyo de los levantamientos cartográficos; mapas y planos cuya convención representacional cercana a lo abstracto del territorio-paisaje —”ciudad-planta” versus “planta-(de)-ciudad”— funciona a la manera de materia-prima en la aproximación hacia lo sólido-tangible en cuanto a la técnica escultórica puesta en práctica en el seno de sus procesos y usos procedimentales.; The visual essay presents selected contributions belonging to two series of graphic and sculptural material. The textual reflection corresponds to a starting point or spur for the artistic-plastic creation shown through photographic reproductions. It is about putting into value the materiality of the pieces (sculptures) and drawings whose objective is presenting two sets that emerged at temporally correlative, but sometimes overlapping, moments. The series: “City-Plant/Plan-(of)-City; Cathedrals and Monsters”, followed by the series: “Untitled (Gadgets-Mechanisms)”, show a differentiated plastic formalization. The interferences of the material plane with space and time also constitute disruptions and ruptures that intertwine the material making with the idea of landscape and its gradual transformation, significantly embodied in buildings and singular elements of the city in the occurrence of ruined devices-mechanisms in the factory-architectural cemeteries. From there, the graphic-sculptural materialization is supported by cartographic surveys; maps and plans whose representational convention close to the abstract of the territory and landscape —”City-Plant” versus “Plant-(of)-City”— functions as raw material in the approach to the solid-tangible in terms of the sculptural technique put into practice within its procedural processes and uses 2026-05-13T12:23:23Z https://hdl.handle.net/11000/39923 Título : Dimensión expandida: cuando la pintura cobra vida Autor : Ghetti, Cristina Resumen : En el presente ensayo visual, se analiza la obra audiovisual generativa Folding Pattern (2014) Una colaboración realizada por Cristina Ghetti, artista visual y Emanuelle Mazza, programador informático. El paso de una obra pictórica matérica a una obra audiovisual implica una transformación significativa en términos de lenguaje, percepción y experiencia sensorial. El desarrollo del presente proyecto nos ha permitido estudiar las distintas situaciones que se producen en el pasaje de una obra material (pintura), que exige una interpretación más pausada y reflexiva a una obra audiovisual que incorpora las variables de movimiento, tiempo y sonido, generando una experiencia inmersiva y multisensorial. La creación de estas piezas surge del concepto de interrelacionar: geometría, color, materia, movimiento y sonido, utilizando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción en el contexto de las nuevas tecnologías y los nuevos modos de producción y difusión de las propuestas artísticas.; In this visual essay, the generative audiovisual work Folding Pattern (2014) is analyzed. A collaboration between Cristina Ghetti, visual artist, and Emanuelle Mazza, computer programmer. The transition from a material pictorial work to an audiovisual work implies a significant transformation in terms of language, perception, and sensory experience. The development of this project has allowed us to study the different situations that occur in the transition from a material work (painting), which requires a more leisurely and reflective interpretation, to an audiovisual work that incorporates the variables of movement, time, and sound, generating an immersive and multisensory experience. The creation of these pieces arises from the concept of interrelating: geometry, color, matter, movement, and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction in the context of new technologies and new modes of production and dissemination of artistic proposals 2026-05-13T10:42:14Z https://hdl.handle.net/11000/39919 Título : El cuerpo como archivo: Efimeridad y permanencia en el espacio Autor : Pastor, Elena Resumen : El cuerpo y el espacio mantienen una relación simbiótica que se manifiesta a través de la huella, el vestigio y la memoria. En el ámbito artístico, la performance permite explorar cómo el cuerpo transforma el espacio y, a su vez, cómo el espacio moldea la percepción del cuerpo. Este ensayo examina la intersección entre ambas disciplinas, la acción performativa y los lenguajes de la gráfica, analizando la capacidad del cuerpo para inscribirse en el entorno y generar nuevas narrativas visuales. A partir del proyecto Cuerpo-Espacio-Espacio-Cuerpo, se plantea una reflexión sobre la huella como registro de la presencia y sobre la manera en que la gráfica puede materializar lo efímero. Inspirándose en referentes como Ana Mendieta, se estudia el acto de inscribir el cuerpo en el espacio como un gesto de resistencia. Finalmente, se expone una metodología de trabajo basada en la acción performativa y su traducción a los lenguajes gráficos, estableciendo un diálogo entre el tiempo, la memoria y la inscripción corporal en el arte contemporáneo; The body and space maintain a symbiotic relationship that manifests through traces, vestiges, and memory. In the artistic realm, performance allows for an exploration of how the body transforms space and, in turn, how space shapes the perception of the body. This essay examines the intersection between both disciplines—performative action and graphic languages—analyzing the body’s ability to inscribe itself into the environment and generate new visual narratives. Through the Cuerpo-Espacio-Espacio-Cuerpo project, the essay reflects on the trace as a record of presence and how graphic processes can materialize the ephemeral. Drawing inspiration from artists such as Ana Mendieta, it explores the act of inscribing the body into space as a gesture of resistance. Finally, it presents a working methodology based on performative action and its translation into graphic languages, establishing a dialogue between time, memory, and bodily inscription in contemporary art. 2026-05-13T10:38:55Z https://hdl.handle.net/11000/39917 Título : La Escultura como Umbral. Tránsitos y Evanescencias: Ecos de la Materia / Espacialidad y Experiencia / Dinámicas Temporales / Corporalidad y Presencia Autor : Herranz Pascual, Yolanda Resumen : El arte es hijo de su tiempo y la creación artística reflexiona sobre problemáticas actuales, aunque dirigiendo la mirada hacia un futuro que siempre es incierto y desconocido. Los artistas indagamos sobre el ser y sobre el mundo y nuestro pensamiento se materializa a través de diferentes formas, materiales, técnicas, procesos y medios. Aunque, éstos no se deben entender, nunca, como fines en sí mismos, sino que operan como vías que vehiculan y encarnan el Pensamiento y el Compromiso. Nuestro artículo se centrará en el ámbito de la escultura contemporánea y más concretamente señalaremos aquellos materiales que ponen en cuestión la permanencia de las obras de arte; noción que se consolida con el arte conceptual definiendo lo primordial de la idea sobre su realización. Para este estudio hemos seleccionado y analizado obras que trabajan con la energía frente a la materia y otras que albergan la dimensión temporal sobre la espacial, así como determinados proyectos que abordan conceptualmente la corporalidad, lo experiencial y lo existencial. Nuestro mundo es líquido, fluyente, inestable… cambiante. Por esta razón, trataremos de evidenciar como los conceptos de evanescencia y disolución implicados en la escultura actual acogen esa naturaleza permeable asociada con nuestra época.; Art is a child of its time and artistic creation reflects on current problems, although it looks towards a future that is always uncertain and unknown. Artists enquire about being and about the world, and our thoughts are materialised through different forms, materials, techniques, processes and ways. However, these should never be understood as ends in themselves, but rather as ways of conveying and embodying Thought and Commitment. Our article will focus on the field of contemporary sculpture and more specifically we will point out those materials that question the permanence of works of art; a notion that is consolidated with conceptual art, defining the primordiality of the idea over its realisation. For this study we have selected and analysed works that work with energy as opposed to matter and others that prioritise the temporal dimension over the spatial, as well as certain projects that deal conceptually with corporeality, the experiential and the existential. Our world is liquid, flowing, unstable... changing. For this reason, we will try to show how the concepts of evanescence and dissolution implied in today’s sculpture embrace this permeable nature associated with our times. 2026-05-13T09:20:20Z