https://hdl.handle.net/11000/2379 2026-04-03T17:34:03Z https://hdl.handle.net/11000/38978 Título : Zoo urbano Autor : Torres Molina, Lorena Resumen : El presente trabajo, Zoo urbano, es un proyecto de investigación y creación artística que trata de establecer un diálogo entre el miedo y el yo, en pos de la propia comprensión y dar al arte un papel sanador en el proceso de la conquista del bienestar mental del artista. Zoo urbano es un trabajo que engloba varios fanzines con un diferente tratamiento narrativo, de impresión y de estilización de formas. Adquiere su nombre gracias a sus protagonistas; animales cotidianos y fantásticos que adquieren un significado para el autor en base a sus miedos. En relación a esto, cabe mencionar que se ha utilizado la fantasía urbana, el dibujo y la acción de caminar fuera de casa, como artilugios para explicar una narración propia. Si bien estos fanzines pueden parecer dispares entre sí, debido a que todos ellos indagan en diferentes formas de experimentación, de maquetación y producción de fanzine, no se trata de un accidente. El autor pretende con esta disparidad de elementos darle valor al dibujo en sí mismo, como herramienta propia de expresión para nuestro crecimiento y día a día, dando como producto un estilo de carácter amable y simpático. Finalmente, otra de las características principales de este proyecto, y la principal razón por la cual se ha elegido el formato fanzine, es la posibilidad de compartir y repartir, tanto el resultado físico obtenido, como el conocimiento adquirido a través de estos animales simbólicos y sus historias; This work, Zoo Urbano, is a research and artistic creation project that seeks to establish a dialogue between fear and the self, in pursuit of self-understanding and giving art a healing role in the process of achieving the artist's mental well-being. Zoo Urbano is a work that encompasses several fanzines with different narrative approaches, printing, and stylized forms. It takes its name from its protagonists; everyday and fantastic animals that acquire meaning for the author based on their fears.In this regard, it is worth mentioning that urban fantasy, drawing, and the action of walking outside the house have been used as devices to explain a personal narrative. Although these fanzines may seem disparate from one another, because they all explore different forms of experimentation, layout, and fanzine production, this is no accident. With this disparity of elements, the author intends to give value to drawing itself, as a tool of expression for our growth and daily life, resulting in a style of kindness and friendliness. Finally, another of the main features of this project, and the main reason why the fanzine format was chosen, is the possibility of sharing and distributing both the physical result obtained and the knowledge acquired through these symbolic animals and their stories; Aquest treball, Zoo urbà, és un projecte de recerca i creació artística que intenta establir un diàleg entre la por i el jo, darrere de la pròpia comprensió i donar a l'art un paper sanador en el procés de la conquesta del benestar mental de l'artista. Zoo urbà és un treball que engloba diversos fanzins amb un tractament narratiu diferent, d'impressió i d'estilització de formes. Adquireix el seu nom gràcies als protagonistes; animals quotidians i fantàstics que adquireixen un significat per a l'autor sobre la base de les pors. En relació amb això, cal nomenar que s’han utilitzat la fantasia urbana, el dibuix i l’acció de caminar fora de casa, com a artefactes per a explicar una narració propia. Tot i que aquests fanzines poden semblar dispars entre si, pel fet que tots ells indaguen en diferents formes d'experimentació, de maquetació i producció de fanzine, no es tracta d'un accident. L´autor pretén amb aquesta disparitat d´elements donar valor al dibuix en si mateix, com a eina pròpia d´expressió per al nostre creixement i dia a dia, donant com a producte un estil de caràcter amable i simpàtic. Finalment, una altra de les característiques principals d'aquest projecte, i la raó principal per la qual s'ha triat el format fanzine, és la possibilitat de compartir i repartir, tant el resultat físic obtingut, com el coneixement adquirit a través d'aquests animals simbòlics i les seves històries 2026-01-22T13:07:25Z https://hdl.handle.net/11000/32784 Título : Intersecciones culturales: experimentando la identidad marroquí en el arte y el diseño Autor : Sarii, Sara Resumen : Este proyecto de investigación es un estudio multidisciplinario de la cultura marroquí que se centra en la interacción entre la artesanía, el diseño y el arte. Al sumergirse en su contexto histórico e investigar las relaciones que se entremezclan entre diversos elementos culturales, este estudio busca proporcionar una comprensión completa de la identidad cultural marroquí. Enfocándose en las influencias amazigh, árabes y coloniales, el proyecto tiene como objetivo crear una serie de fotografías y grabados que retratan el complejo entramado de la cultura marroquí. Estas obras de arte honran el legado artesanal de Marruecos mientras exploran representaciones modernas de la identidad marroquí. El objetivo es arrojar luz sobre cómo ciertas influencias históricas han moldeado la expresión artística moderna en Marruecos. Al enfatizar la interconexión de la artesanía, el diseño y el arte, el proyecto persigue descubrir los temas y narrativas subyacentes que definen la identidad cultural marroquí. Además, pretende abordar y aclarar los malentendidos comunes desde una perspectiva externa a Marruecos, destacando que los amazigh son uno de los principales grupos culturales del país, desafiando así la visión simplificada de que Marruecos es únicamente un país árabe. Más que divulgar la cultura marroquí, este proyecto busca promover el valor del arte, el diseño y la artesanía marroquíes, asegurando así la supervivencia de estas tradiciones culturales en el mundo moderno. En conclusión, este proyecto investiga la cultura marroquí explorando sus raíces históricas y manifestaciones presentes. A través de una serie de fotografías y grabados, muestra la riqueza y diversidad de la identidad cultural marroquí, alentando una comprensión y apreciación más profunda de su legado artístico.; This research project is a multidisciplinary study of Moroccan culture, concentrating on the delicate interplay of craftsmanship, design, and art. By diving into its historical context and investigating the intricate relationships between diverse cultural elements, this study seeks to provide a thorough understanding of Moroccan cultural identity. Focusing on Amazigh, Arab, and colonial influences, the project aims to create a series of photography and engravings that portray the complex fabric of Moroccan culture. These artworks honor Morocco’s artisanal legacy while also exploring modern representations of Moroccan identity. The goal is to shed light on how historical influences have shaped modern artistic expression in Morocco. By emphasizing the interconnectivity of craftsmanship, design, and art, the project hopes to uncover the underlying themes and narratives that define Moroccan cultural identity. Additionally, it aims to address and clarify common misunderstandings held by outsiders, highlighting that the Amazigh are one of the main cultural groups in Morocco, thus challenging the oversimplified view that Morocco is solely an Arab country. More than just an appreciation of Moroccan culture, this project is a proactive program aimed at fostering positive change. It seeks to promote greater appreciation for Moroccan art, design, and craftsmanship, ensuring the survival of these cultural traditions in the modern world. In conclusion, this project investigates Moroccan culture by exploring its historical roots and present manifestations. Through a series of photography and engravings, it showcases the richness and diversity of Moroccan cultural identity, encouraging a deeper understanding and appreciation of its artistic legacy. 2024-07-26T11:43:50Z https://hdl.handle.net/11000/32709 Título : Cuerpo de lo que es crisis Autor : Rincón Contreras, Luis Eduardo Resumen : Esta investigación se ha centrado en crear un marco conceptual y metodológico que permitió la producción de este proyecto de artes plásticas, respondiendo a la pregunta de investigación: ¿dónde hay crisis? La documentación del proyecto ofrece una visión del desarrollo histórico y conceptual de los dos conceptos principales abordados: Crisis y Cuerpo. Estos conceptos han dado forma a la producción artística, donde el error fue el punto de partida de la preproducción y el desarrollo metodológico, concluyendo con la evaluación de los resultados analizados a través de la práctica experimental. El resultado es una pieza organizada mediante la práctica pictórica, estructurada a partir de una metodología basada en la crisis.; This research focused on creating a conceptual and methodological framework that facilitated the production of this visual arts project, addressing the research question: Where is the crisis? The project's documentation provides an overview of the historical and conceptual development of the two main concepts discussed: Crisis and Body. These concepts shaped the artistic production, where error served as the starting point for preproduction and methodological development, culminating in the evaluation of the results analyzed through experimental practice. The outcome is a piece organized through pictorial practice, structured around a methodology based on the crisis. 2024-07-26T07:52:44Z https://hdl.handle.net/11000/32605 Título : El perro como motivo pictórico: representación de vínculos emocionales Autor : Tortosa Piñar, Sandra Resumen : Este trabajo de investigación cuestiona la percepción contemporánea de la pintura figurativa al óleo como una técnica antigua y desestimada, y busca reivindicar su valor como medio de expresión perdurable. Se examina cómo esta disciplina puede mantener su relevancia en el panorama contemporáneo mediante la representación de emociones y subjetividades personales. El estudio se centra en la figura del perro como motivo pictórico principal, utilizando símbolos y recursos contemporáneos para revitalizar la pintura al óleo. A través de un análisis práctico y procesual, la autora crea seis cuadros al óleo de pequeño y medio formato que construyen una narrativa íntima y autobiográfica. Estos cuadros reflejan pensamientos y vivencias personales, entrelazando lo personal con el vínculo animal. La investigación desarrolla un lenguaje propio mediante la gestualidad y la mancha, explorando diversas técnicas para expresar emociones. Se utilizan símbolos, asociaciones y el color para jerarquizar elementos, combinando zonas acabadas e inacabadas para revelar la construcción espontánea de la obra. El resultado es una obra que entrelaza lo personal con el vínculo animal, destacando la relevancia contemporánea de la pintura figurativa al óleo. 2024-07-22T11:16:01Z https://hdl.handle.net/11000/32604 Título : Por nosotros muere el pez: Los efectos de la crisis ambiental en los peces de la presa de Hatillo en la República Dominicana en el verano del 2023 Autor : Tatis Pérez, Vladimir Resumen : POR NOSOTROS MUERE EL PEZ es el trabajo de fin de máster que presentamos como proyecto expositivo para la convocatoria ARTE EN LA CASA BARDÍN del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert. Con este proyecto pretendemos llevar a cabo una serie de obras artísticas: fotografías, videoarte, site-specific, instalaciones y escultura construidas desde la idea de la hibridez y sustentado en la práctica interdisciplinar. Abordando el tema de la crisis ambiental y elegimos la contaminación por plástico de un solo uso en la presa de Hatillo en la República Dominicana como telón de fondo. Este proyecto no solo destaca la importancia de abordar la contaminación plástica, sino que también se alinea con los objetivos del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert de promover la creación artística de la provincia de Alicante en la convocatoria ARTE EN CASA BARDIN. A través de este proyecto, buscamos involucrar al público en un diálogo sobre la crisis ambiental y la adopción de prácticas sostenibles, aprovechando la oportunidad de mostrar lo aprendido en el máster en un entorno de alto nivel profesional. Este máster en proyecto e investigación en arte, nos permite practicar con herramientas y recursos artísticos con altísimo nivel de profesionalidad en el cual se puede hibridar diferentes disciplinas artísticas como la investigación, la escultura, el audiovisual, el performance y la instalación. Este trabajo conlleva un laborioso proceso de investigación, aprendizaje, experimentación y elaboración para mostrar lo aprendido. Teniendo así la posibilidad de comunicar nuestras inquietudes con los efectos negativos que provoca el uso irresponsable de los plásticos. Muchos y muchas de nuestros maestros han sido seleccionados para exponer sus obras en esta sala expositiva. Nos proponemos continuar por esos caminos asumiendo este desafío. Qué mejor espacio para trabajar esta exposición que La Casa Bardín. Realizaremos estas piezas artísticas reusando materiales de desechos de un solo uso como botellas, huacales y bolsas plásticas; naturales, no comerciales, inspirados en el movimiento artístico "Arte Povera" y así potenciar la transformación de esos materiales, no comerciales, en piezas artísticas que nos ayuden a crear conciencia sobre la crisis ambiental que atravesamos.; POR NOSOTROS MUERE EL PEZ is the master's thesis that we present as an exhibition project for the call ARTE EN LA CASA BARDÍN of the Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert. With this project we intend to carry out a series of artistic works: photographs, video art, site-specific, installations and sculpture built from the idea of hybridity and based on interdisciplinary practice. Addressing the theme of the environmental crisis, we chose the single-use plastic pollution in the Hatillo dam in the Dominican Republic as a backdrop. This project not only highlights the importance of addressing plastic pollution, but also aligns with the objectives of the Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert to promote artistic creation in the province of Alicante in the call ARTE EN CASA BARDIN. Through this project, we seek to engage the public in a dialogue about the environmental crisis and the adoption of sustainable practices, taking advantage of the opportunity to show what was learned in the master's degree in a high-level professional environment. This master's degree in project and research in art, allows us to practice with artistic tools and resources with a high level of professionalism in which different artistic disciplines such as research, sculpture, audiovisual, performance and installation can be involved. This work involves a laborious process of research, learning, experimentation and elaboration to show what we have learned. Thus having the possibility to communicate our concerns with the negative effects caused by the irresponsible use of plastics. Many of our masters have been selected to exhibit their works in this exhibition hall. We intend to continue along these paths by taking on this challenge. What better space to work on this exhibition than La Casa Bardín. We will make these artistic pieces reusing single-use waste materials such as bottles, crates and plastic bags; natural, non-commercial, inspired by the artistic movement “Arte Povera” and thus enhance the transformation of these materials, non-commercial, in artistic pieces that help us raise awareness about the environmental crisis we are going through. 2024-07-22T11:13:59Z https://hdl.handle.net/11000/32535 Título : Realidades híbridas. Explorando la síntesis entre arte y diseño 3d en la creación de espacios virtuales Autor : Muenala Álvarez, John Jefferson Resumen : Este trabajo final de máster (TFM) se centra en la exploración y estudio de las formas escultóricas en el ámbito audiovisual, acompañado de un análisis previo de las formas del objeto y el espacio. El objetivo principal del proyecto es investigar cómo las formas y los espacios se relacionan e interactúan, tanto visual como funcionalmente, desde una perspectiva conceptual, evitando que se conviertan en una mera masa de materiales diversos y preservando su esencia y significado. La metodología adoptada se basa en la metodología proyectual de Bruno Munari, complementada con las aportaciones de otros referentes clave como Karim Rashid, Tadao Ando, Le Corbusier y la Bauhaus. Estos referentes aportan principios fundamentales sobre funcionalidad, estética y el uso de la iluminación y las sombras en el diseño, aspectos cruciales para el desarrollo del proyecto. El proceso de creación se desglosa en cuatro fases principales: conceptualización, experimentación, prototipado y realización. Durante estas fases, se utilizan herramientas avanzadas de diseño 3D y motion design para explorar y materializar las ideas. La documentación gráfica es importante en este proceso, ya que proporciona una visión detallada de la evolución del proyecto a través de bocetos, croquis y modelos 3d. Los resultados del proyecto incluyen la creación de un objeto multifuncional que combina arte y diseño, destacando por su funcionalidad y estética. Se ha prestado especial atención a la interacción entre la luz y las sombras, creando atmósferas visuales únicas que realzan la forma y la estructura del objeto. Además, la integración de una atmósfera onírica, inspirada en la pintura metafísica, añade una dimensión conceptual profunda 2024-07-18T08:00:00Z https://hdl.handle.net/11000/32534 Título : Land(e)scapes, and I don't know where to Autor : García Rodríguez, Raissa Resumen : El proyecto artístico multidisciplinar, titulado Land(e)scapes, And I don't know where to se compone de tres piezas donde, usando la pintura como detonante, se aborda la intersección entre mente y materia, explorando la construcción de la identidad a través de la expresión artística. Inspirado por figuras como Helen Frankenthaler, Maria Lai, Gerhard Richter o Georgia O'Keeffe, se examina cómo el arte refleja la lucha entre el ego primitivo y la autoconquista. Se explora la mancha, la sombra, el fragmento, los símbolos, el accidente, el azar, la psicogeografía y el no-lugar, junto con la teoría Gestalt, para comprender cómo el entorno influye en nuestra percepción. A través del arte conceptual y expresionismo abstracto, se busca la autenticidad y la comunicación emocional. El proceso artístico se convierte en un viaje hacia la autoexpresión y la comprensión de uno mismo, fusionando elementos como la escritura y el bordado a la pintura, para exorcizar emociones y crear un mapa personal de la identidad, donde se establece la confluencia como base de la catarsis que permite interrogar sobre el modo de existencia de lo invisible. Además, es importante resaltar que el proyecto busca establecer un diálogo con el espectador, invitándolo a reflexionar sobre su propia existencia. A través de una paleta de colores reconocible y la técnica distintiva utilizada en las obras, se pretende crear una experiencia estética que despierte la sensibilidad del observador y lo lleve a cuestionar su propia percepción del mundo que tiene alrededor. En última instancia, los resultados más relevantes obtenidos de esta investigación artística radican en la capacidad del arte para actuar como un puente entre lo tangible y lo intangible, proporcionando un espacio para la introspección y el descubrimiento personal en un mundo cada vez más complejo y cambiante; The multidisciplinary artistic project, titled Land(e)scapes, And I don't know where to, consists of three pieces where, using painting as a trigger, the intersection between mind and matter is addressed, exploring the construction of identity through artistic expression. Inspired by figures such as Helen Frankenthaler, Maria Lai, Gerhard Richter and Georgia O'Keeffe. It examines how art reflects the struggle between the primitive ego and self-conquest. The project explores the stain, the shadow, the fragment, symbols, accident, chance, psychogeography, and non-place, along with Gestalt theory, to understand how the environment influences our perception. Through conceptual art and abstract expressionism, authenticity and emotional communication are sought. The artistic process becomes a journey towards self-expression and self-understanding, merging elements such as writing and embroidery with painting to exorcise emotions and create a personal map of identity, where confluence is established as the basis for the catharsis that allows questioning the mode of existence of the invisible. Furthermore, it is important to highlight that the project seeks to establish a dialogue with the viewer, inviting them to reflect on their own existence. Through a recognizable colour palette and the distinctive technique used in the works, the aim is to create an aesthetic experience that awakens the observer's sensitivity and leads them to question their own perception of the world around them. Ultimately, the most relevant results obtained from this artistic research lie in the ability of art to act as a bridge between the tangible and the intangible, providing a space for introspection and personal discovery in an increasingly complex and changing world 2024-07-18T07:53:58Z https://hdl.handle.net/11000/31936 Título : El retrato ausente Autor : Morales Carrillo, Elena Resumen : Partiendo de lo que conocemos como la representación más normativa y estándar del retrato según la tradición pictórica, esto es, la representación de un sujeto por medio de su rostro, a menudo acompañado por el busto, buena parte del cuerpo, el cuerpo entero, e incluso el entorno de la persona, hemos acuñado, en contraposición, la expresión retrato ausente. A partir de este concepto, para este trabajo, desechamos la idea de retrato como la prosopografía1 de un sujeto individual y adoptamos nuevas formas de reflejar distintos aspectos, más allá del físico literal y objetivo. Según esta variante de retrato, pretendemos descubrir, revelar o destapar aspectos como los pensamientos, emociones, secretos, personalidad, gustos,... que nos muestran otra realidad del sujeto, ya que nos ofrecen puntos de vista alternativos mediante esta serie de valores que exceden la apariencia de un individuo. De este modo nuestro objetivo radica en investigar lo heterogénea que resulta la identidad y las múltiples formas en torno a su representación. 2024-04-17T10:25:29Z https://hdl.handle.net/11000/31827 Título : Lo que la luz esconde Autor : Navarro Sánchez, Sara Resumen : Se ha creado un libro de artista como contenido conceptual de una amplia investigación, representada a través de un cubo de hierro con formas abiertas. En su interior contiene un mapa de papel de algodón plegado, en el que se muestran las doce localizaciones geográficas de éste proyecto, alrededor del mundo. El cubo representa la esencia de un proceso creativo de cuyo interior emana el contenido creado como síntesis final de un camino recorrido. Se han seleccionado doce lugares, señalados en el mapa, con el fin de identificar artistas emergentes en cada una de ellos y que sus obras generen un diálogo con diseños previamente creados de modo intuitivo sin conocimiento alguno de la selección, asociada con posterioridad al proyecto. Las expresiones artísticas de creadores emergentes en diferentes países se unen así al mundo del diseño representado por objetos funcionales, concretamente zapatos. Algo que nos acompaña en cualquier recorrido para el que sea necesario “andar” un camino. En este trabajo, del mismo modo que el hierro dialoga con el papel, siendo materiales aparentemente dispares, los trabajos de estos artistas, desde diferentes rincones del mundo, entablan una conversación armoniosa y fluida, participando todos de la misma energía. De ahí que, en idénticos planos de vibración el arte y el diseño confluyan y que el flujo emocional que ambos crean pueda ser entendido en cualquier parte o circunstancia, por tratarse de un lenguaje universal.; An artist´s book has been created as the conceptual content of an extensive research, represented through an iron cube with open forms. Inside it contains a folded cotton paper map showing the twelve geographical locations of this project around the world. The cube represents the essence of a creative process from inside which emanates the content created as a final synthesis of a journey. Twelve locations have been selected, marked on the map, with the aim of identifying emerging artists in each of them and that their works generate a dialogue with designs previously created intuitively without any knowledge of the selection, associated with the project. The artistic expressions of emerging creators in different countries thus join the world of design represented by functional objects, specifically shoes. Something that accompanies us on any journey for which it is necessary to “walk” a path. In this work, in the same way that iron dialogues with paper, being apparently disparate materials, the works of these artists, from different corners of the world, engage in a harmonious and fluid conversation, all participating in the same energy. Hence, on identical planes of vibration, art and design converge and the emotional flow that both create can be understood anywhere or in any circumstance, as it is a universal language. 2024-03-25T08:07:13Z https://hdl.handle.net/11000/30025 Título : Graffiti con luz. Experimento Nº 3 Autor : Martinez-Abarca Pedreño, José María 2023-11-08T09:13:03Z