https://hdl.handle.net/11000/11 2026-05-21T14:59:13Z https://hdl.handle.net/11000/39925 Título : (Essere) fiume. Reflejar el paisaje, activar la memoria topográfica. Autor : Tejero Pérez, Gonzalo José Resumen : (Essere) fiume es una pieza artística llevada a cabo y expuesta en el marco de la Exposición Internacional Ecos y Resonancias de la Tierra, ubicada en el Centro Carmen Jiménez de La Zubia, Granada, España, como parte del I Festival de Arte y Naturaleza FANZ, celebrado a lo largo del mes de febrero de 2025. A través de la exploración de la confluencia entre la profunda interpretación de la mímesis griega que Giusseppe Penone propone en su serie Essere fiume (1947-1981), en la que el arte se convierte en un espejo de los ciclos de transformación de la naturaleza y el artista en quien los produce, la pieza que se presenta deriva del ideario del escultor italiano y se basa en la inmaterialidad del reflejo para no solo reconstruir sino también activar la memoria topográfica del paisaje. Así, evoca elementos perdidos o transformados con el paso del tiempo y subrayando, de este modo, que el entorno en el que sucede el arte no se trata de un escenario pasivo, sino de un elemento, un protagonista activo que registra, conserva y (re)construye su propia narrativa.; (Essere) fiume is an artistic piece created and exhibited as part of the International Exhibition Ecos y Resonancias de la Tierra, located at the Carmen Jiménez Center in La Zubia, Granada, Spain, as part of the 1st FANZ Art and Nature Festival, held throughout the month of February 2025. Through the exploration of the confluence between the profound interpretation of Greek mimesis proposed by Giusseppe Penone in his series Essere fiume (1947-1981), in which art becomes a mirror of the cycles of transformation of nature and the artist who produces them, the piece presented derives from the Italian sculptor’s ideology and is based on the immateriality of reflection to not only reconstruct but also activate the topographical memory of the landscape. Thus, it evokes elements lost or transformed over time, thereby emphasizing that the environment in which art occurs is not a passive setting, but rather an element, an active protagonist that records, preserves, and (re)constructs its own narrative 2026-05-14T06:02:21Z https://hdl.handle.net/11000/39924 Título : Dibujo, escultura, paisaje. Artilugios y mecanismos para construir “catedrales” y crear “monstruos” Autor : Lekerikabeaskoa-Gaztañaga, Amaia; Vivas-Ziarrusta, Isusko Resumen : El ensayo visual expone aportaciones seleccionadas, pertenecientes a dos series de material gráfico y escultórico. La reflexión textual corresponde a un punto de partida o acicate para la creación artístico-plástica mostrada por medio de reproducciones fotográficas. Se trata de poner en valor la materialidad de las piezas (esculturas) y dibujos cuyo objetivo es una indagación previa para la escultura, con la finalidad de presentar sendos conjuntos surgidos en momentos temporalmente correlativos, pero a veces superpuestos. La serie: “Ciudad-planta/Planta-(de)-ciudad; catedrales y monstruos”, seguida de la serie: “Sin título (artilugios-mecanismos)”, muestran una formalización plástica diferenciada. Las interferencias del plano material con el espacio y el tiempo constituyen disrupciones y rupturas que entrelazan el hacer material con la idea paisajística y su transformación gradual, plasmada significativamente en edificios y elementos singulares de la ciudad, capturados e intervenidos a modo de imagen, trayendo a colación en el acontecer de artilugios-mecanismo ruinosos en cementerios fabriles-arquitectónicos. De ahí a la materialización gráfico-escultórica tercia el apoyo de los levantamientos cartográficos; mapas y planos cuya convención representacional cercana a lo abstracto del territorio-paisaje —”ciudad-planta” versus “planta-(de)-ciudad”— funciona a la manera de materia-prima en la aproximación hacia lo sólido-tangible en cuanto a la técnica escultórica puesta en práctica en el seno de sus procesos y usos procedimentales.; The visual essay presents selected contributions belonging to two series of graphic and sculptural material. The textual reflection corresponds to a starting point or spur for the artistic-plastic creation shown through photographic reproductions. It is about putting into value the materiality of the pieces (sculptures) and drawings whose objective is presenting two sets that emerged at temporally correlative, but sometimes overlapping, moments. The series: “City-Plant/Plan-(of)-City; Cathedrals and Monsters”, followed by the series: “Untitled (Gadgets-Mechanisms)”, show a differentiated plastic formalization. The interferences of the material plane with space and time also constitute disruptions and ruptures that intertwine the material making with the idea of landscape and its gradual transformation, significantly embodied in buildings and singular elements of the city in the occurrence of ruined devices-mechanisms in the factory-architectural cemeteries. From there, the graphic-sculptural materialization is supported by cartographic surveys; maps and plans whose representational convention close to the abstract of the territory and landscape —”City-Plant” versus “Plant-(of)-City”— functions as raw material in the approach to the solid-tangible in terms of the sculptural technique put into practice within its procedural processes and uses 2026-05-13T12:23:23Z https://hdl.handle.net/11000/39923 Título : Dimensión expandida: cuando la pintura cobra vida Autor : Ghetti, Cristina Resumen : En el presente ensayo visual, se analiza la obra audiovisual generativa Folding Pattern (2014) Una colaboración realizada por Cristina Ghetti, artista visual y Emanuelle Mazza, programador informático. El paso de una obra pictórica matérica a una obra audiovisual implica una transformación significativa en términos de lenguaje, percepción y experiencia sensorial. El desarrollo del presente proyecto nos ha permitido estudiar las distintas situaciones que se producen en el pasaje de una obra material (pintura), que exige una interpretación más pausada y reflexiva a una obra audiovisual que incorpora las variables de movimiento, tiempo y sonido, generando una experiencia inmersiva y multisensorial. La creación de estas piezas surge del concepto de interrelacionar: geometría, color, materia, movimiento y sonido, utilizando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción en el contexto de las nuevas tecnologías y los nuevos modos de producción y difusión de las propuestas artísticas.; In this visual essay, the generative audiovisual work Folding Pattern (2014) is analyzed. A collaboration between Cristina Ghetti, visual artist, and Emanuelle Mazza, computer programmer. The transition from a material pictorial work to an audiovisual work implies a significant transformation in terms of language, perception, and sensory experience. The development of this project has allowed us to study the different situations that occur in the transition from a material work (painting), which requires a more leisurely and reflective interpretation, to an audiovisual work that incorporates the variables of movement, time, and sound, generating an immersive and multisensory experience. The creation of these pieces arises from the concept of interrelating: geometry, color, matter, movement, and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction in the context of new technologies and new modes of production and dissemination of artistic proposals 2026-05-13T10:42:14Z https://hdl.handle.net/11000/39922 Título : SOBRAS TRASATLÁNTICAS. Cantos de ahora, cuentos del pasado y otros viajes al futuro, Nina Hoechtl y Rían Lozano (Coords.) Autor : Patrón Rivera, Mauricio 2026-05-13T10:41:43Z https://hdl.handle.net/11000/39921 Título : La precariedad del Monstruo. Monumentos para tiempos inestables Autor : Fuertes Sánchez, Alejandro Resumen : Atendiendo al actual tiempo precario, líquido, en el que nada es estable más allá que la generación de residuos, el presente texto sirve de propuesta sobre cómo pueden ser los monumentos que describan esta época: inestables, espontáneos, efímeros y construidos a partir de desechos. Para ello, tomamos como referencia Monstruo: un proyecto de creación artística propia que surge en colaboración junto a Ignacio Pérez-Jofre. Un proyecto que no solo reutiliza la basura abandonada en la urbe, sino también espacios que, al quedar al margen del tejido productivo de la ciudad, quedan relegados a la condición de vertederos ilegales. Fábricas abandonadas, urbanizaciones deshabitadas, descampados… Espacios en los que desechar aquello que debe quedar oculto. Lugares que, igual que un monstruo, cuestionan la integridad de un sistema y advierten sobre un peligro. Lugares resultados de una lógica consumista que, basada en el derroche y desperdicio, necesita desechar, expulsar constantemente para perpetuar su fluidez.; Given the current precarious, fluid times, in which nothing is stable except the generation of waste, this text serves as a proposal for what monuments describing this era might look like: unstable, spontaneous, ephemeral, and built from waste. To this end, we take as our reference Monstruo: an artistic creation project of our own that arose in collaboration with Ignacio Pérez- Jofre. This project not only reuses rubbish abandoned in the city, but also spaces that, being on the margins of the city’s productive fabric, are relegated to the status of illegal dumps. Abandoned factories, uninhabited housing developments, wastelands... Spaces in which to dispose of what must remain hidden. Places that, like a monster, question the integrity of a system and warn of danger. Places that are the result of a consumerist logic based on waste and squandering, which needs to constantly discard and expel in order to perpetuate its fluidity. 2026-05-13T10:41:00Z https://hdl.handle.net/11000/39920 Título : Ficción audiovisual, crisis ecológica y ecotopías: el deseo debe cambiar de bando Autor : Llonch-Molina, Carlos Resumen : En este texto se describe el contexto teórico y las referencias usadas para la creación de dos cortos audiovisuales: Viatge a Zanbiose (2022) y To All the Population (2023). Ambas obras buscan establecer un diálogo con la tradición literaria de las eutopías verdes o ecotopías, observando los contenidos y estrategias de algunas de sus obras para trasladarlos a una narrativa visual que problematiza con la crisis socioecológica actual.; This text describes the theoretical context and references used for the creation of two short audiovisual works: Viatge a Zanbiose (2022) and To All the Population (2023). Both works seek to establish a dialogue with the literary tradition of green eutopias or ecotopias, observing the contents and strategies of some of their works to transfer them to a visual narrative that problematizes the current socio-ecological crisis. 2026-05-13T10:40:20Z https://hdl.handle.net/11000/39919 Título : El cuerpo como archivo: Efimeridad y permanencia en el espacio Autor : Pastor, Elena Resumen : El cuerpo y el espacio mantienen una relación simbiótica que se manifiesta a través de la huella, el vestigio y la memoria. En el ámbito artístico, la performance permite explorar cómo el cuerpo transforma el espacio y, a su vez, cómo el espacio moldea la percepción del cuerpo. Este ensayo examina la intersección entre ambas disciplinas, la acción performativa y los lenguajes de la gráfica, analizando la capacidad del cuerpo para inscribirse en el entorno y generar nuevas narrativas visuales. A partir del proyecto Cuerpo-Espacio-Espacio-Cuerpo, se plantea una reflexión sobre la huella como registro de la presencia y sobre la manera en que la gráfica puede materializar lo efímero. Inspirándose en referentes como Ana Mendieta, se estudia el acto de inscribir el cuerpo en el espacio como un gesto de resistencia. Finalmente, se expone una metodología de trabajo basada en la acción performativa y su traducción a los lenguajes gráficos, estableciendo un diálogo entre el tiempo, la memoria y la inscripción corporal en el arte contemporáneo; The body and space maintain a symbiotic relationship that manifests through traces, vestiges, and memory. In the artistic realm, performance allows for an exploration of how the body transforms space and, in turn, how space shapes the perception of the body. This essay examines the intersection between both disciplines—performative action and graphic languages—analyzing the body’s ability to inscribe itself into the environment and generate new visual narratives. Through the Cuerpo-Espacio-Espacio-Cuerpo project, the essay reflects on the trace as a record of presence and how graphic processes can materialize the ephemeral. Drawing inspiration from artists such as Ana Mendieta, it explores the act of inscribing the body into space as a gesture of resistance. Finally, it presents a working methodology based on performative action and its translation into graphic languages, establishing a dialogue between time, memory, and bodily inscription in contemporary art. 2026-05-13T10:38:55Z https://hdl.handle.net/11000/39918 Título : Codex Lunaris: cartografías ficticias y futuros no distópicos Autor : Aicart, Sandra Resumen : La cartografía ficticia y la fabulación crítica ofrecen herramientas para cuestionar las narrativas dominantes sobre la colonización y explotación espacial, explorando cómo imaginamos y representamos otros territorios. Este ensayo analiza cómo la combinación de ruinas, monumentos imposibles, escenas cotidianas y fauna imaginada permite reflexionar sobre fragilidad, precariedad, temporalidades críticas y relaciones alternativas con el espacio. Se discute cómo estas estrategias transforman la percepción de la Luna: de objeto neutro a territorio simbólico. Aquí, lo extraordinario y lo cotidiano coexisten, generando posibilidades colectivas de interpretación. El proyecto artístico Codex Lunaris se utiliza como ejemplo de archivo ficticio y fabulación crítica, mostrando cómo el arte puede funcionar como laboratorio de futuros, activando la imaginación crítica y cuestionando la linealidad del progreso y la lógica extractivista de la exploración espacial. La obra demuestra que imaginar mundos distintos implica considerar la convivencia, las micro-ecologías y la exposición estructural como elementos centrales de la experiencia, proponiendo nuevos modos de habitar y percibir territorios desconocidos.; Fictitious cartography and critical fabulation operate as epistemic strategies through which dominant narratives of space colonization and extraction may be interrogated. This article examines how the articulation of ruins, impossible monuments, quotidian scenes, and imagined fauna functions as a speculative dispositif for reflecting on fragility, precarity, critical temporalities, and alternative spatial relations. Through these visual constructions, the Moon is reconfigured from a neutral astronomical body into a symbolic and contested territory, where the ordinary and the extraordinary coexist within a shared interpretive field. The artistic project Codex Lunaris is analyzed as a fictitious archive that extends what Hal Foster has described as the “archival impulse,” mobilizing speculative fabrication as a critical methodology. Conceived as a laboratory of futures, the project challenges linear models of progress and extractivist paradigms in space exploration. It proposes instead that imagining non-dystopian futures requires foregrounding coexistence, micro-ecologies, and structural exposure as constitutive conditions of experience, thereby opening alternative modes of inhabiting and perceiving extraplanetary territories 2026-05-13T10:38:05Z https://hdl.handle.net/11000/39917 Título : La Escultura como Umbral. Tránsitos y Evanescencias: Ecos de la Materia / Espacialidad y Experiencia / Dinámicas Temporales / Corporalidad y Presencia Autor : Herranz Pascual, Yolanda Resumen : El arte es hijo de su tiempo y la creación artística reflexiona sobre problemáticas actuales, aunque dirigiendo la mirada hacia un futuro que siempre es incierto y desconocido. Los artistas indagamos sobre el ser y sobre el mundo y nuestro pensamiento se materializa a través de diferentes formas, materiales, técnicas, procesos y medios. Aunque, éstos no se deben entender, nunca, como fines en sí mismos, sino que operan como vías que vehiculan y encarnan el Pensamiento y el Compromiso. Nuestro artículo se centrará en el ámbito de la escultura contemporánea y más concretamente señalaremos aquellos materiales que ponen en cuestión la permanencia de las obras de arte; noción que se consolida con el arte conceptual definiendo lo primordial de la idea sobre su realización. Para este estudio hemos seleccionado y analizado obras que trabajan con la energía frente a la materia y otras que albergan la dimensión temporal sobre la espacial, así como determinados proyectos que abordan conceptualmente la corporalidad, lo experiencial y lo existencial. Nuestro mundo es líquido, fluyente, inestable… cambiante. Por esta razón, trataremos de evidenciar como los conceptos de evanescencia y disolución implicados en la escultura actual acogen esa naturaleza permeable asociada con nuestra época.; Art is a child of its time and artistic creation reflects on current problems, although it looks towards a future that is always uncertain and unknown. Artists enquire about being and about the world, and our thoughts are materialised through different forms, materials, techniques, processes and ways. However, these should never be understood as ends in themselves, but rather as ways of conveying and embodying Thought and Commitment. Our article will focus on the field of contemporary sculpture and more specifically we will point out those materials that question the permanence of works of art; a notion that is consolidated with conceptual art, defining the primordiality of the idea over its realisation. For this study we have selected and analysed works that work with energy as opposed to matter and others that prioritise the temporal dimension over the spatial, as well as certain projects that deal conceptually with corporeality, the experiential and the existential. Our world is liquid, flowing, unstable... changing. For this reason, we will try to show how the concepts of evanescence and dissolution implied in today’s sculpture embrace this permeable nature associated with our times. 2026-05-13T09:20:20Z https://hdl.handle.net/11000/39908 Título : Resistir la velocidad: pedagogías de la lentitud en tiempos de aceleración visual Autor : López-Ruiz, David; Ortiz Martínez, Antonio Resumen : La huerta murciana no es un recuerdo inmóvil ni un decorado pintoresco. Es, todavía hoy, un espacio donde el agua corre por acequias que a veces rebosan de maleza, donde el suelo guarda la huella de la azada y donde las parras proyectan una sombra que no se mide en metros cuadrados, sino en tiempo vivido. Frente a ello, la ciudad avanza con un pulso más rápido, asfaltando diferencias, estandarizando lo que toca. Y sin embargo, en esa fricción late algo más que un conflicto territorial: se juega la manera en que aprendemos a mirar, a esperar, a habitar. Este ensayo visual no pretende fijar una imagen nostálgica, sino abrir un recorrido entre pares de escenas: un rodal de riego frente a la geometría de un aparcamiento, la frescura vegetal frente al vidrio de una marquesina. Imágenes que, más que describir, sugieren una pedagogía callada: la huerta enseña a sostener y a cuidar, mientras la ciudad entrena en la prisa y en el consumo. ¿Qué tipo de educación queremos transmitir a quienes vendrán después? ¿La que nace de la espera y la fragilidad compartida, o la que impone la velocidad y la clausura? No se trata de elegir entre pasado y presente, sino de reconocer que en la huerta se conserva un archivo vivo de prácticas y valores, una reserva de futuro en medio de la precariedad.; The Murcian huerta is not a frozen memory or a picturesque backdrop. Even today it is a space where water runs through ditches sometimes overgrown with weeds, where the soil still carries the mark of the hoe, and where vines cast a shade measured not in square meters but in lived time. In contrast, the city moves with a faster pulse, covering differences in asphalt and standardizing everything it touches. And yet, within this friction there is more than a territorial conflict: it is about how we learn to see, to wait, to inhabit. This visual essay does not aim to fix a nostalgic image, but to open a path between paired scenes: an irrigation circle facing the geometry of a parking lot, the coolness of vegetation against the glass of a bus shelter. Images that, more than describing, suggest a quiet pedagogy: the huerta teaches sustaining and caring, while the city trains us in speed and consumption. What kind of education do we want to pass on to those who come after us? The one born of waiting and shared fragility, or the one imposed by acceleration and closure? It is not a matter of choosing between past and present, but of recognizing that the huerta holds a living archive of practices and values, a reservoir of future within the very heart of precariousness. 2026-05-12T12:13:13Z